蒙娜丽莎简笔画(国画的需要学素描吗)
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2024-04-23
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1. 蒙娜丽莎简笔画,国画的需要学素描吗?
学国画需要素描功底好吗?
如果有素描功底必定会对绘画的规则上有一定的认识,造型方法上 、明暗对比上、虚实强弱上、空间层次上等等你会有一定的见解。在写实类的国画上素描对学习国画是有帮助的。 素描的学习注重形体、明暗和体积,在黑白灰的空间层次上比较讲究的。当然素描的用笔形式和国画大有不同,绘画工具也不同 ,技法也不同。所以你学习国画之前如果没有素描功底你同样可以画好国画,国画也有自己的理论方法,它们有相同的地方也有不同的地方 ,只要你熟悉理论和技法后勤奋练习都是能进步的。
这个问题和学素描需要国画功底吗差不多一样的问法,两者之间也有一定的联系。但是你没有绘画功底同样可以搞好国画,徐悲鸿先生没引进素描之前的国画大师齐白石、张大千、傅抱石、黄宾虹等同样是没学素描直接把国画画的很牛的人物。
整体来说,没有素描功底,对学习国画几乎是没影响的。如果你有素描功底,那肯定是对国画的学习是有帮助的。
2. 超写实主义油画与写实主义油画有什么不同之处和相同之处?
本篇以从时代背景、画面侧重点、画面观感、绘画技巧、创作主题几个方面来回答。
01古典主义写实油画与当代超写实主义油画的不同之处(1)诞生的时期不同
古典主义写实画创立于油画诞生初期的文艺复兴时期。以达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔、乔尔乔内、提香等为代表的画家根据油画材料特性,将透视、光影、色彩、人体解剖等科学原理运用于油画中,创作了大量的写实油画作品。
乔尔乔内作品而超写实主义油画产生并兴起于20世纪60年代,是在继承古典主义写实油画的创作基本原则和基本技法基础上借鉴照像等现代技术手段更加注重油画的“写实”的绘画表现形式。
冷军超写实油画静物相对而言,当代超写实主义油画可以说是充满科技时尚元素的,而古典写实主义则是冷静务实的。
(2)在画面表现上的侧重点有所不同
古典写实油画同时注重表现画的主题思想内涵,追求画面形式和内容的统一。
当代超写实油画又称照相主义油画,更注重画面细节刻画的“精微细致,纤毫毕现”,以求达到甚至超越高清照片的“清晰”效果。
当代超写实油画-苏新《新十二花神》个人认为,超写实油画重在写实技法的运用,在油画主题思想情感的挖掘拓展和表现上要逊于古典写实油画。这也是超现实主义作品饱受部分观赏者诟病的原因之一。
(3)给人带来的观感不同
当代超写实油画如杨飞云、谢楚余、冷军、苏新等艺术家作品,清晰细腻的光影效果、细节到极致的人物发丝、皮肤绒毛等。在视觉上给人清新明朗和多愁善感的感觉。就像一张超高清摄影作品,给观者惊喜、赞叹、满足的观感体验,画境感十足。
当代超写实油画-谢楚余《陶》而古典写实主义油画比如大师库尔贝、乔尔乔内、安格尔、鲁本斯等大师的作品,在观感上与上述有非常大的不同,不清新也不给人多愁善感之感,更显沉稳庄重,一般以宗教故事为创作背景。
《牧羊人的崇拜》乔尔乔内《女人与鹦鹉》古斯塔夫·库尔贝(4)绘画技巧不同
古典写实主义油画的绘画技法主要有:透明覆色法、不透明覆色法、不透明一次着色法(直接着色法)
超写实油画技法对于画布制作、画笔、媒介剂、底料以及光油、颜料的制作,以及绘画的步骤都非常严格。
02古典主义写实油画与当代超写实主义油画的相同之处(1)皆属“写实”油画范畴
写实的定义基本不用说,简单来说就是“再现和还原客观事物的本来面貌”,造型严谨。
古典写实主义油画-达芬奇《蒙娜丽莎》高清大图当代超写实油画-冷军《小姜》高清大图(2)皆属传统学院派风格
两者属于传统学院派风格,认为素描是造型的基础。主张理性,排斥主观性。以科学严谨的造型手段和精准细腻的笔触描绘客观物象。在用色上强调绘画表现色彩与自然色彩和谐统一。
古典写实主义油画-拉斐尔《圣母子》(3)创作主题都是以人物为主
翻看古典写实主义油画和现代超写实油画作品,会发现作品大都是以人为创作主题,其中人物画、肖像画、人体画占90%以上。
安格尔《泉》超写实主义油画的前景目前也是比较看好的。
3. 西方除了流行油画还有哪些画种?
(一)蛋彩画(Tempera)
蛋彩画,是用由颜料和某种水溶性粘合剂(通常是蛋黄)混合后形成的永久性、快干性颜料进行创作的画。蛋彩画能保存非常久,公元1世纪时的蛋彩画至今也仍旧完好。在油画出现之前,蛋彩画一直是欧洲的主流绘画形式。(二)油画(Oil painting)
油画是将颜料与干性油媒介混合后以此进行创作的绘画,在欧洲广泛使用。油画颜料中的油性媒介通常是亚麻籽油等油类,这些介质通常还会与松脂、乳香等物质混合加工。油画初期在北欧早期荷兰绘画中使用,并因其良好的质地和光彩而广受欢迎,大范围传播,最终成为绘画创作的标准用材之一。经过文艺复兴时期的技术发展后,油画在欧洲基本全面取代了蛋彩画。
(三)水彩画(Watercolor)
水彩画是用悬浮在水溶性媒介物中的颜料创作而成的画,一般花在各种纸张上,包括莎草纸、牛皮纸等,也有皮革、帆布等材料。在欧洲和亚洲,水彩画都有悠久的历史。欧洲中世纪时已经有许多水彩画记录,而从文艺复兴时期开始成为主流绘画艺术形式,不过大多都用于动植物的插图绘画。
(四)粉彩画(Pastel)
粉彩画是用粉末状颜料和粘合剂混合后制成的固体颜料(例如常见的蜡笔)所创作的画,其中粘合剂一般有中性色调和饱和度,因此混合后蜡笔的效果会更接近自然干燥的颜料。粉彩颜料起源于15世纪,达·芬奇也曾提到过粉彩颜料,18世纪时非常流行用这种颜料画肖像画。
(五)水粉画(Gouache)
水粉画是用水粉颜料创作的画,水粉是一种不透明的颜料,由天然色素、水和粘合剂(通常用阿拉伯树胶或糊精)混合制成,大约有六百年的历史。水粉和水彩一样都可以重复润湿,但干燥后则会呈现哑光色泽;另外与油画颜料也有相似之处,它们同样都是不透明性质的。
(六)壁画(Fresco)
壁画是在墙壁或天花板上绘制的画,通常是用颜料在一层薄而湿润的石灰泥浆或灰泥层上作画,而所用的颜料也需要混合蛋黄、胶水或油脂等粘合剂。欧洲的壁画在文艺复兴及更早期比较常见。(七)珐琅画(Enamel)
珐琅画一般是用有色矿物质涂在玻璃粉与金属制成的基底上所创作的绘画,然后经过750-850摄氏度的烧制,让玻璃熔化成釉质层。不同于其他绘画类型,这类珐琅画一般用于珍贵物品的装饰,比如珠宝或装饰瓷器。18世纪时在欧洲非常流行,微型肖像画就是以这种方式绘制。
4. 哪副西方绘画作品中塑造的女性形象最美?
【文藏来答】大家好,我是文藏的艺术小编Kiki~如果各位喜欢我的回答,就请给我一个赞或者是一个关注吧!
如果说最美或许有些片面,自古至今,女性形象在各类艺术作品中都以极高的频率出现。女性在不同时代的艺术作品中的形象特质都有着独特的艺术价值,在这些形象艺术的剖析中,女性形象成为一个标志,给各个时代的艺术作品特点都有所归纳和诠释。
列奥纳多·达·芬奇 《岩间圣母》
纵观古今,在每一个时代的艺术作品中,女性形象几乎从来没有过淡出,女人作为艺术一个偏爱的实体,由单纯的形象走向情感的聚合体。在西方美术史的历史变迁过程中,女性形象大致经历了由母性神灵--凡间女子--女性主义的过渡,直至女性主义开始,对于男性艺术家来说,女性形象大多作为一种欲望的视觉载体和艺术家创作理念的呈现。而她们也作为着艺术文明发展的篇篇史册,记录着艺术的历程。
母性神灵
西蒙·马提尼 《圣母子》
在古希腊雕像中,裸体形象的塑造一直作为比例与理性的量度成为古典主义艺术的重要法则,同时寄托了人类对视觉美的欲望和追求。在文艺复兴时期的西方绘画中,我们看到的绝人多数绘画作品受古罗马和希腊古典艺术的影响,其中的女性形象几乎都是宗教教义、神话或历史传说中的人物为主,被赋予神圣光环的女性形象一般都被置于戏剧化场景,这些场景通常都是庄严、肃穆的。如14世纪早期乔托的《圣母怜子》、杜乔的《鲁塞莱圣母》以及西蒙·马提尼的《圣母子》中的圣母,都是这一阶段比较典型的女性形象。
波提切利《维纳斯的诞生》
这些女性形象由于被赋予了严肃的宗教意味,因此大多以庄重、圣洁而又肃穆的形象出现。同时,画面也以平面化、缺乏层次感的空间和具有装饰意味的色调与场景为主。夏娃、维纳斯和女神的形象也出现在优美而清新的画面中,如马萨乔的《逐出乐园》、波提切利的《维纳斯的诞生》等。波提切利是第一批使女性身体的美以一种直率的方式表达的艺术家,在《维纳斯的诞生》中,维纳斯赤裸着身体,用一种混沌优雅的眼光目视着观众,并以舒展从容的仪态展示着身体的美,这种优雅的美在达芬奇和拉斐尔的作品中被蒙上了一层母性的光芒,使文艺复兴前期的女性成为母爱和上帝之爱的象征。
波提切利 《春》
这些作品虽然与之前乔托等人的作品相比,在仪式感、戏剧化的情节和场景方面没有太大的区别,但是在对人物的深度刻画、空间的丰富性以及浪漫主义情怀的表现等方面均有了很大的变化。这其实是与当时欧洲解剖学和透视学以及其他科学领域的发展所产生的巨大影响密不可分的。而这样的影响反映在绘画作品中,首先是人物造型的比例更加严谨、准确;其次是人物的体积感、物体的质感和画面的空间感已经比初期的作品要真实得多;此外,具有现实主义和浪漫人文气息的画家开始注重对画面人物的动态和表情等方面的深入刻画,使得画面中的人物开始明显脱离以前那种僵硬、静止的状态。比如,画面中的女性由过去严肃、单一的表情和略显僵硬的肢体开始逐渐向亲切、温和的面容和柔美、灵活的肢体转变。如波提切利的《春》等。在整体画面意境的处理上,那些犹如诗一般优美、浪漫的画面氛围和明快、丰富的色调也与之前的作品有了很大的不同。这对后来西方绘画在女性题材的表现内容以及形式等方面的探索产生了一定的影响。
乔尔乔内《沉睡的维纳斯》
在乔尔乔内的《沉睡的维纳斯》中,女性姿态第一次由直立改变为斜倚,这种改变不仅仅是一种题材的改变,更隐含了男性目光的改变。如果说波提切利绘画中女性身体的注视是对男性目光的无力抗拒,那么《沉睡的维纳斯》中紧闭的双眼则是对男性目光凝视的默许。从此,女性身体在人文主义的关怀下抛弃了“比例与理性的量度”,成为男性赞助人及艺术家欲望的视觉载体。
鲁本斯《镜前的维纳斯》
文艺复兴之后,绘画题材中对世俗女性、维纳斯的爱情故事及达纳厄等的喜爱凸显了男性欲望载体的彻底世俗化,尤其是在鲁本斯的绘画作品中。他以华丽的笔触描绘了大批性感、丰腴、娇美的女性形象,甚至在以宗教裁判所严厉著称于世的西班牙,也出现了《镜前的维纳斯》及《裸体的玛哈》等裸体女性作品。洛可可艺术中对赤裸裸的性爱的描绘,安格尔及德拉克洛瓦对异域闺房内幕的着迷,以及众多男性艺术家对绑缚、捕获女人题材的迷恋,使艺术在此后长达400年的时间内扮演着男性视觉欲望的呈现。
原文来源:《收藏投资导刊》杂志想了解更多艺术推介与艺术收藏,欢迎使用【文藏APP】,关注【文藏艺术】官方微信公众号&微博&头条号更多精彩内容等着你!5. 为什么说人类的艺术活动不等同于娱乐消遣或游戏?
艺术就是任何人想要把它表现为艺术的东西,就是人的创作技能;艺术家就是对周围事件作出反应并把这种反应放到他自己的“创作”中去的人,问题来了:为什么说人类的艺术活动不等同于娱乐、消遣或游戏,更是人潜能无限延伸的最重要途径?
人类的艺术活动不等同于娱乐、消遣或游戏,更是人潜能无限延伸的最重要途径我们可以先这么假设,如果人类的艺术活动等同于娱乐、消遣或游戏的话,那么艺术早就“死亡”了,为什么这么说呢?道理很简单,一切有关“娱乐、消遣或游戏”的活动都是没有实质性的意义价值的,充其量只是消磨时间,不觉得无聊枯燥乏味,更何况,任何一个伟大的艺术时代,艺术活动对社会的发展都发挥着重要的作用,
比如,欧洲文艺复兴运动,文艺复兴时期的艺术核心价值观是“人文主义”,是兴起的资产阶级以复兴希腊罗马古典文艺之名发起的弘扬资产阶级思想和文化的运动,没有任何的娱乐、消遣或游戏,涌现出大批优秀甚至天才的艺术家,并留给后世巨大的艺术财富,
在长达1000余年封建基督教会的统治下,人们饱受精神上的束缚和奴役,人性被忽视甚至践踏,此时人们便更加渴求黄金时代的光辉以驱散教会笼罩下的阴霾,渴求得到自由和解放,于是文艺复兴时期的古典艺术文化成为他们挣脱牢笼的重要武器,这也可以说是人潜能无限延伸的最重要途径,
至于中国古代是否重视艺术教育,这是毋庸置疑的,古代的中西方国家对艺术教育都尤其重视,要不然,中国书画就没有那么多经典名作,魏晋南北朝时期是中国历史上最浓于热情、最富有艺术精神的时代;西方也不可能有闻名世界的文艺复兴,良好的艺术教育体制,是艺术得以健康发展的基础。
6. 为什么几大艺术中?
电视电影,一般被广为流传的都是一些通俗易懂,内容基本都是拉拉家常,再穿插一些爱情故事,这些都是大家下班以后回家打开电视机就可以看,你花钱买个电视机就能看所有的电视电影。想去电影院看,一张票也就几十块钱,所以价格方面非常优惠,基本上人人都可以消费得起。而音乐以前是唱片、磁带,现在是cd、蓝光等,所以也是人人可以消费的。自然而然会被大家所接受。而绘画这块,大家都知道的画就是蒙娜丽莎,原作价值连城,根本没有人可以买得起,另外在外面广为流传较多的是毕加索的画,大家都不能理解画的像儿童画一样为什么也卖那么贵,归根究底还是因为大家都以为画画是一件很简单的事情,就从别人卖房子、卖车、卖食品等等,从来不会有人说你卖的东西送我一个吧,而唯独画画大家都会认为是一件很容易的事情,所以张口就会说你送我一幅画吧,不送还会觉得你小气,所以这些都是没学过画画或者不懂绘画的人,他们完全不知道要完成一幅好的作品需要花费多少时间和精力,背后经历了哪些才有了一幅经典的巨作。就拿最受争议的毕加索,他的画很多人都说是儿童画还那么贵,可是毕加索在十几岁就可以画的超写实了,他是超过了超写实的阶层到达了更高阶层的升华,看似简单线条的绘画,其实是无数个超写实绘画演变而来的精华,所以价格是无法用金钱来衡量的,艺术无价就是这个意思。首先很多人看不懂,外加价格巨贵,所以被质疑是正常现象。
7. 是什么原因让你坚持学习画画的?
我是桃子姐姐
很高兴能够回答这个问题。
我从小就开始学习画画,
后来我又学习了板绘,现在做手绘头像设计已经有5年多了。
这期间也有很多的困难,但是我都坚持下来了。自己的辛苦只有我自己知道。
最忙的时候一天只睡3个小时,
如果,问我为什么会坚持画画。
每当我拿起画笔专心画画的时候我才会觉得心里是踏实而安稳的。
看到自己的作品,得到了认可。心里很满足,一种得到肯定的荣誉感。
这就是我坚持的原因吧!
分享一些我自己的作品
希望大家喜欢!
我是小画家/桃子姐姐
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1. 蒙娜丽莎简笔画,国画的需要学素描吗?
学国画需要素描功底好吗?
如果有素描功底必定会对绘画的规则上有一定的认识,造型方法上 、明暗对比上、虚实强弱上、空间层次上等等你会有一定的见解。在写实类的国画上素描对学习国画是有帮助的。 素描的学习注重形体、明暗和体积,在黑白灰的空间层次上比较讲究的。当然素描的用笔形式和国画大有不同,绘画工具也不同 ,技法也不同。所以你学习国画之前如果没有素描功底你同样可以画好国画,国画也有自己的理论方法,它们有相同的地方也有不同的地方 ,只要你熟悉理论和技法后勤奋练习都是能进步的。
这个问题和学素描需要国画功底吗差不多一样的问法,两者之间也有一定的联系。但是你没有绘画功底同样可以搞好国画,徐悲鸿先生没引进素描之前的国画大师齐白石、张大千、傅抱石、黄宾虹等同样是没学素描直接把国画画的很牛的人物。
整体来说,没有素描功底,对学习国画几乎是没影响的。如果你有素描功底,那肯定是对国画的学习是有帮助的。
2. 超写实主义油画与写实主义油画有什么不同之处和相同之处?
本篇以从时代背景、画面侧重点、画面观感、绘画技巧、创作主题几个方面来回答。
01古典主义写实油画与当代超写实主义油画的不同之处(1)诞生的时期不同
古典主义写实画创立于油画诞生初期的文艺复兴时期。以达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔、乔尔乔内、提香等为代表的画家根据油画材料特性,将透视、光影、色彩、人体解剖等科学原理运用于油画中,创作了大量的写实油画作品。
乔尔乔内作品而超写实主义油画产生并兴起于20世纪60年代,是在继承古典主义写实油画的创作基本原则和基本技法基础上借鉴照像等现代技术手段更加注重油画的“写实”的绘画表现形式。
冷军超写实油画静物相对而言,当代超写实主义油画可以说是充满科技时尚元素的,而古典写实主义则是冷静务实的。
(2)在画面表现上的侧重点有所不同
古典写实油画同时注重表现画的主题思想内涵,追求画面形式和内容的统一。
当代超写实油画又称照相主义油画,更注重画面细节刻画的“精微细致,纤毫毕现”,以求达到甚至超越高清照片的“清晰”效果。
当代超写实油画-苏新《新十二花神》个人认为,超写实油画重在写实技法的运用,在油画主题思想情感的挖掘拓展和表现上要逊于古典写实油画。这也是超现实主义作品饱受部分观赏者诟病的原因之一。
(3)给人带来的观感不同
当代超写实油画如杨飞云、谢楚余、冷军、苏新等艺术家作品,清晰细腻的光影效果、细节到极致的人物发丝、皮肤绒毛等。在视觉上给人清新明朗和多愁善感的感觉。就像一张超高清摄影作品,给观者惊喜、赞叹、满足的观感体验,画境感十足。
当代超写实油画-谢楚余《陶》而古典写实主义油画比如大师库尔贝、乔尔乔内、安格尔、鲁本斯等大师的作品,在观感上与上述有非常大的不同,不清新也不给人多愁善感之感,更显沉稳庄重,一般以宗教故事为创作背景。
《牧羊人的崇拜》乔尔乔内《女人与鹦鹉》古斯塔夫·库尔贝(4)绘画技巧不同
古典写实主义油画的绘画技法主要有:透明覆色法、不透明覆色法、不透明一次着色法(直接着色法)
超写实油画技法对于画布制作、画笔、媒介剂、底料以及光油、颜料的制作,以及绘画的步骤都非常严格。
02古典主义写实油画与当代超写实主义油画的相同之处(1)皆属“写实”油画范畴
写实的定义基本不用说,简单来说就是“再现和还原客观事物的本来面貌”,造型严谨。
古典写实主义油画-达芬奇《蒙娜丽莎》高清大图当代超写实油画-冷军《小姜》高清大图(2)皆属传统学院派风格
两者属于传统学院派风格,认为素描是造型的基础。主张理性,排斥主观性。以科学严谨的造型手段和精准细腻的笔触描绘客观物象。在用色上强调绘画表现色彩与自然色彩和谐统一。
古典写实主义油画-拉斐尔《圣母子》(3)创作主题都是以人物为主
翻看古典写实主义油画和现代超写实油画作品,会发现作品大都是以人为创作主题,其中人物画、肖像画、人体画占90%以上。
安格尔《泉》超写实主义油画的前景目前也是比较看好的。
3. 西方除了流行油画还有哪些画种?
(一)蛋彩画(Tempera)
蛋彩画,是用由颜料和某种水溶性粘合剂(通常是蛋黄)混合后形成的永久性、快干性颜料进行创作的画。蛋彩画能保存非常久,公元1世纪时的蛋彩画至今也仍旧完好。在油画出现之前,蛋彩画一直是欧洲的主流绘画形式。(二)油画(Oil painting)
油画是将颜料与干性油媒介混合后以此进行创作的绘画,在欧洲广泛使用。油画颜料中的油性媒介通常是亚麻籽油等油类,这些介质通常还会与松脂、乳香等物质混合加工。油画初期在北欧早期荷兰绘画中使用,并因其良好的质地和光彩而广受欢迎,大范围传播,最终成为绘画创作的标准用材之一。经过文艺复兴时期的技术发展后,油画在欧洲基本全面取代了蛋彩画。
(三)水彩画(Watercolor)
水彩画是用悬浮在水溶性媒介物中的颜料创作而成的画,一般花在各种纸张上,包括莎草纸、牛皮纸等,也有皮革、帆布等材料。在欧洲和亚洲,水彩画都有悠久的历史。欧洲中世纪时已经有许多水彩画记录,而从文艺复兴时期开始成为主流绘画艺术形式,不过大多都用于动植物的插图绘画。
(四)粉彩画(Pastel)
粉彩画是用粉末状颜料和粘合剂混合后制成的固体颜料(例如常见的蜡笔)所创作的画,其中粘合剂一般有中性色调和饱和度,因此混合后蜡笔的效果会更接近自然干燥的颜料。粉彩颜料起源于15世纪,达·芬奇也曾提到过粉彩颜料,18世纪时非常流行用这种颜料画肖像画。
(五)水粉画(Gouache)
水粉画是用水粉颜料创作的画,水粉是一种不透明的颜料,由天然色素、水和粘合剂(通常用阿拉伯树胶或糊精)混合制成,大约有六百年的历史。水粉和水彩一样都可以重复润湿,但干燥后则会呈现哑光色泽;另外与油画颜料也有相似之处,它们同样都是不透明性质的。
(六)壁画(Fresco)
壁画是在墙壁或天花板上绘制的画,通常是用颜料在一层薄而湿润的石灰泥浆或灰泥层上作画,而所用的颜料也需要混合蛋黄、胶水或油脂等粘合剂。欧洲的壁画在文艺复兴及更早期比较常见。(七)珐琅画(Enamel)
珐琅画一般是用有色矿物质涂在玻璃粉与金属制成的基底上所创作的绘画,然后经过750-850摄氏度的烧制,让玻璃熔化成釉质层。不同于其他绘画类型,这类珐琅画一般用于珍贵物品的装饰,比如珠宝或装饰瓷器。18世纪时在欧洲非常流行,微型肖像画就是以这种方式绘制。
4. 哪副西方绘画作品中塑造的女性形象最美?
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如果说最美或许有些片面,自古至今,女性形象在各类艺术作品中都以极高的频率出现。女性在不同时代的艺术作品中的形象特质都有着独特的艺术价值,在这些形象艺术的剖析中,女性形象成为一个标志,给各个时代的艺术作品特点都有所归纳和诠释。
列奥纳多·达·芬奇 《岩间圣母》
纵观古今,在每一个时代的艺术作品中,女性形象几乎从来没有过淡出,女人作为艺术一个偏爱的实体,由单纯的形象走向情感的聚合体。在西方美术史的历史变迁过程中,女性形象大致经历了由母性神灵--凡间女子--女性主义的过渡,直至女性主义开始,对于男性艺术家来说,女性形象大多作为一种欲望的视觉载体和艺术家创作理念的呈现。而她们也作为着艺术文明发展的篇篇史册,记录着艺术的历程。
母性神灵
西蒙·马提尼 《圣母子》
在古希腊雕像中,裸体形象的塑造一直作为比例与理性的量度成为古典主义艺术的重要法则,同时寄托了人类对视觉美的欲望和追求。在文艺复兴时期的西方绘画中,我们看到的绝人多数绘画作品受古罗马和希腊古典艺术的影响,其中的女性形象几乎都是宗教教义、神话或历史传说中的人物为主,被赋予神圣光环的女性形象一般都被置于戏剧化场景,这些场景通常都是庄严、肃穆的。如14世纪早期乔托的《圣母怜子》、杜乔的《鲁塞莱圣母》以及西蒙·马提尼的《圣母子》中的圣母,都是这一阶段比较典型的女性形象。
波提切利《维纳斯的诞生》
这些女性形象由于被赋予了严肃的宗教意味,因此大多以庄重、圣洁而又肃穆的形象出现。同时,画面也以平面化、缺乏层次感的空间和具有装饰意味的色调与场景为主。夏娃、维纳斯和女神的形象也出现在优美而清新的画面中,如马萨乔的《逐出乐园》、波提切利的《维纳斯的诞生》等。波提切利是第一批使女性身体的美以一种直率的方式表达的艺术家,在《维纳斯的诞生》中,维纳斯赤裸着身体,用一种混沌优雅的眼光目视着观众,并以舒展从容的仪态展示着身体的美,这种优雅的美在达芬奇和拉斐尔的作品中被蒙上了一层母性的光芒,使文艺复兴前期的女性成为母爱和上帝之爱的象征。
波提切利 《春》
这些作品虽然与之前乔托等人的作品相比,在仪式感、戏剧化的情节和场景方面没有太大的区别,但是在对人物的深度刻画、空间的丰富性以及浪漫主义情怀的表现等方面均有了很大的变化。这其实是与当时欧洲解剖学和透视学以及其他科学领域的发展所产生的巨大影响密不可分的。而这样的影响反映在绘画作品中,首先是人物造型的比例更加严谨、准确;其次是人物的体积感、物体的质感和画面的空间感已经比初期的作品要真实得多;此外,具有现实主义和浪漫人文气息的画家开始注重对画面人物的动态和表情等方面的深入刻画,使得画面中的人物开始明显脱离以前那种僵硬、静止的状态。比如,画面中的女性由过去严肃、单一的表情和略显僵硬的肢体开始逐渐向亲切、温和的面容和柔美、灵活的肢体转变。如波提切利的《春》等。在整体画面意境的处理上,那些犹如诗一般优美、浪漫的画面氛围和明快、丰富的色调也与之前的作品有了很大的不同。这对后来西方绘画在女性题材的表现内容以及形式等方面的探索产生了一定的影响。
乔尔乔内《沉睡的维纳斯》
在乔尔乔内的《沉睡的维纳斯》中,女性姿态第一次由直立改变为斜倚,这种改变不仅仅是一种题材的改变,更隐含了男性目光的改变。如果说波提切利绘画中女性身体的注视是对男性目光的无力抗拒,那么《沉睡的维纳斯》中紧闭的双眼则是对男性目光凝视的默许。从此,女性身体在人文主义的关怀下抛弃了“比例与理性的量度”,成为男性赞助人及艺术家欲望的视觉载体。
鲁本斯《镜前的维纳斯》
文艺复兴之后,绘画题材中对世俗女性、维纳斯的爱情故事及达纳厄等的喜爱凸显了男性欲望载体的彻底世俗化,尤其是在鲁本斯的绘画作品中。他以华丽的笔触描绘了大批性感、丰腴、娇美的女性形象,甚至在以宗教裁判所严厉著称于世的西班牙,也出现了《镜前的维纳斯》及《裸体的玛哈》等裸体女性作品。洛可可艺术中对赤裸裸的性爱的描绘,安格尔及德拉克洛瓦对异域闺房内幕的着迷,以及众多男性艺术家对绑缚、捕获女人题材的迷恋,使艺术在此后长达400年的时间内扮演着男性视觉欲望的呈现。
原文来源:《收藏投资导刊》杂志想了解更多艺术推介与艺术收藏,欢迎使用【文藏APP】,关注【文藏艺术】官方微信公众号&微博&头条号更多精彩内容等着你!5. 为什么说人类的艺术活动不等同于娱乐消遣或游戏?
艺术就是任何人想要把它表现为艺术的东西,就是人的创作技能;艺术家就是对周围事件作出反应并把这种反应放到他自己的“创作”中去的人,问题来了:为什么说人类的艺术活动不等同于娱乐、消遣或游戏,更是人潜能无限延伸的最重要途径?
人类的艺术活动不等同于娱乐、消遣或游戏,更是人潜能无限延伸的最重要途径我们可以先这么假设,如果人类的艺术活动等同于娱乐、消遣或游戏的话,那么艺术早就“死亡”了,为什么这么说呢?道理很简单,一切有关“娱乐、消遣或游戏”的活动都是没有实质性的意义价值的,充其量只是消磨时间,不觉得无聊枯燥乏味,更何况,任何一个伟大的艺术时代,艺术活动对社会的发展都发挥着重要的作用,
比如,欧洲文艺复兴运动,文艺复兴时期的艺术核心价值观是“人文主义”,是兴起的资产阶级以复兴希腊罗马古典文艺之名发起的弘扬资产阶级思想和文化的运动,没有任何的娱乐、消遣或游戏,涌现出大批优秀甚至天才的艺术家,并留给后世巨大的艺术财富,
在长达1000余年封建基督教会的统治下,人们饱受精神上的束缚和奴役,人性被忽视甚至践踏,此时人们便更加渴求黄金时代的光辉以驱散教会笼罩下的阴霾,渴求得到自由和解放,于是文艺复兴时期的古典艺术文化成为他们挣脱牢笼的重要武器,这也可以说是人潜能无限延伸的最重要途径,
至于中国古代是否重视艺术教育,这是毋庸置疑的,古代的中西方国家对艺术教育都尤其重视,要不然,中国书画就没有那么多经典名作,魏晋南北朝时期是中国历史上最浓于热情、最富有艺术精神的时代;西方也不可能有闻名世界的文艺复兴,良好的艺术教育体制,是艺术得以健康发展的基础。
6. 为什么几大艺术中?
电视电影,一般被广为流传的都是一些通俗易懂,内容基本都是拉拉家常,再穿插一些爱情故事,这些都是大家下班以后回家打开电视机就可以看,你花钱买个电视机就能看所有的电视电影。想去电影院看,一张票也就几十块钱,所以价格方面非常优惠,基本上人人都可以消费得起。而音乐以前是唱片、磁带,现在是cd、蓝光等,所以也是人人可以消费的。自然而然会被大家所接受。而绘画这块,大家都知道的画就是蒙娜丽莎,原作价值连城,根本没有人可以买得起,另外在外面广为流传较多的是毕加索的画,大家都不能理解画的像儿童画一样为什么也卖那么贵,归根究底还是因为大家都以为画画是一件很简单的事情,就从别人卖房子、卖车、卖食品等等,从来不会有人说你卖的东西送我一个吧,而唯独画画大家都会认为是一件很容易的事情,所以张口就会说你送我一幅画吧,不送还会觉得你小气,所以这些都是没学过画画或者不懂绘画的人,他们完全不知道要完成一幅好的作品需要花费多少时间和精力,背后经历了哪些才有了一幅经典的巨作。就拿最受争议的毕加索,他的画很多人都说是儿童画还那么贵,可是毕加索在十几岁就可以画的超写实了,他是超过了超写实的阶层到达了更高阶层的升华,看似简单线条的绘画,其实是无数个超写实绘画演变而来的精华,所以价格是无法用金钱来衡量的,艺术无价就是这个意思。首先很多人看不懂,外加价格巨贵,所以被质疑是正常现象。
7. 是什么原因让你坚持学习画画的?
我是桃子姐姐
很高兴能够回答这个问题。
我从小就开始学习画画,
后来我又学习了板绘,现在做手绘头像设计已经有5年多了。
这期间也有很多的困难,但是我都坚持下来了。自己的辛苦只有我自己知道。
最忙的时候一天只睡3个小时,
如果,问我为什么会坚持画画。
每当我拿起画笔专心画画的时候我才会觉得心里是踏实而安稳的。
看到自己的作品,得到了认可。心里很满足,一种得到肯定的荣誉感。
这就是我坚持的原因吧!
分享一些我自己的作品
希望大家喜欢!
我是小画家/桃子姐姐
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